Реферат на тему портрет

Портрет как жанр в живописи. История портретной живописи. Портрет в русской живописи. Построение композиции портрета. Техника масляной живописи. Основа под живопись. Масляные художественные краски и кисти. Палитра красящих веществ и смешивание красок.

Студенты, аспиранты, молодые ученые, использующие базу знаний в своей учебе и работе, будут вам очень благодарны.

Размещено на http://www.allbest.ru/

МИНИСТЕРСТВО ОБРАЗОВАНИЯ И НАУКИ РОССИЙСКОЙ ФЕДЕРАЦИИ

Федеральное государственное бюджетное образовательное учреждение

высшего профессионального образования

«КУБАНСКИЙ ГОСУДАРСТВЕННЫЙ УНИВЕРСИТЕТ»

(ФГБОУ ВПО «КубГУ»)

Кафедра живописи и композиции

ДОПУСТИТЬ К ЗАЩИТЕ В ГАК

проф., д-р пед.наук

Ю.В. Коробко 2014 г.

ВЫПУСКНАЯ КВАЛИФИКАЦИОННАЯ (ДИПЛОМНАЯ)

Работу выполнила _________________________________ Т.А. Костенко

Специальность 050602 Изобразительное искусство

преподаватель_______________________________________ А.М. Мельников

1. Портрет как жанр в живописи

1.1 История портретной живописи

1.2 Портрет в русской живописи

1.3 Композиция портрета

2. Техника масляной живописи

2.1 Основа под живопись

2.2 Масляные художественные краски и кисти

2.3 Палитра красящих веществ

2.4 Смешивание красок

3. Описание хода работы

Список использованных источников

Приложение А Работы известных мастеров

Приложение Б Этапы работы над дипломным проектом

В любую эпоху и время живопись была довольно популярным, изящным и красивым видом искусства. Так или иначе, она была связана с красками, наносящимися на твердую поверхность, с легкостью воплощая в жизнь наиболее яркие образы, передаваемые всем окружающим великими художниками. Живопись несет в себе значимое средство художественного отражения действительности и передачу реальности, влияя на мысли, чувства, эмоции и фантазии зрителей. Живопись — это по-настоящему замечательный вид искусства. Именно с его помощью окружающие события оживают на полотне. А используются при этом всего лишь масляные краски и кисти.

В наше время портрет — один из наиболее распространенных и любимых художниками и зрителями жанров живописи. В искусстве портрета аккумулируется интерес художника к бесконечному разнообразию человеческой индивидуальности, стремление выразить свое восхищение личностью, богатством духовной жизни человека.

Портретный жанр требует от художника свободного владения рисунком, живописными выразительными средствами, наличия яркого воображения и художественного вкуса, умения эмоционально «слышать», чувствовать своего героя, по существу, обладать способностями психолога, артиста, чтобы в портрете максимально выразить суть личности, ее внутренний стержень.

Портрет, как жанр изобразительного искусства, давно привлекал меня, так как в нем можно выразить особое душевное настроение человека и показать широкие технические возможности для реализации творческих задач. Поэтому он и был выбран в качестве темы представленного дипломного проекта. Актуальность темы обусловлена сложившейся на сегодняшний день ситуацией, когда одна эпоха сменяется другой, меняются интересы и восприятия, современность находится на их границе, но портрет остается актуальным всегда.

Целью перед собой я ставила выполнение женского портрета, изучение и раскрытие данных техник, способов выражения эмпирического опыта с помощью живописных приемов в технике масляной живописи. Масло — как живописный материал интересовал меня, как студентку, своей живописностью и широкими техническими возможностями.

Задачей моего дипломного проекта было изучить искусствоведческую и специальную литературу по вопросу портретной живописи; выявить пути развития портретной живописи конца ХІХ, ХХ века; разработать колористическое и композиционное решение портрета; выполнить портрет в технике масляная живопись; отразить женскую красоту: ее величественность, незыблемость во времени.

Так же в моей дипломной работе освещены многие сведения необходимые начинающему и вероятно интересные опытному художнику. Из различных источников собрана и лаконично раскрыта история масляной живописи и портрета в частности, а так же представлено описание всех материалов и инструментов, необходимых художнику, свойства некоторых красок и практические советы, помогающие сориентироваться в богатом выборе, предоставленном современным рынком, результат моего исследования на эту тему.

Одно из важнейших качеств портрета — сходство изображения с моделью. Однако художник передаёт не только внешний облик портретируемого, но и его индивидуальность, а также типичные черты, отражающие определённую социальную среду и эпоху. Портретист создаёт не просто механический слепок с черт лица человека, но проникает внутрь его души, раскрывает его характер, чувства и взгляды на мир. Создание портрета — всегда очень сложный творческий акт, на который влияет множество факторов. Это и взаимоотношения художника с моделью, и особенности мироощущения эпохи, которая обладает своими идеалами и представлениями о должном в человеке, и многое другое.

В искусстве Позднего Возрождения и маньеризма портрет утрачивает гармонию, ей на смену приходят подчёркнутый драматизм и напряжённость образного строя (Я. Понтормо, Эль Греко).

В сер. 15 в. бурное развитие портрета происходит в северных странах. Ренессансным гуманизмом проникнуты работы нидерландских (Я. ван Эйк, Р. ван дер Вейден, П. Кристус, Х. Мемлинг), французских (Ж. Фуке, Ф. Клуэ, Корнель де Лион) и немецких (Л. Кранах, А. Дюрер) художников этого времени. В Англии портретная живопись представлена творчеством иностранных мастеров — Х. Хольбейном Младшим и нидерландцами.

Жизнеутверждающей силы полны групповые портреты Ф. Халса. Противоречивость и сложность действительности отразились в портретном творчестве испанца Д. Веласкеса, который создал галерею полных достоинства образов людей из народа и серию беспощадно правдивых портретов придворной знати (прил. А, рис. А.2). Полнокровные и яркие натуры привлекали П. П. Рубенса. Виртуозность техники и тонкая выразительность отличает кисть его соотечественника А. Ван Дейка.

Реалистические тенденции, связанные с идеалами эпохи Просвещения, характерны для многих портретов 18 в. Точность социальных характеристик и острая жизненная правдивость характеризует искусство французских художников (Ж. О. Фрагонар, М. К. де Латур, Ж. Б. С. Шарден). Героический дух эпохи Великой французской революции нашёл воплощение в портретных работах Ж. Л. Давида. Эмоциональные, гротескно-сатирические, а подчас трагические образы создавал в своих портретах испанец Ф. Гойя. Романтические тенденции нашли отражение в портретном творчестве Т. Жерико и Э. Делакруа во Франции, Ф. О. Рунге в Германии.

В 20 в. в портрете проявились противоречивые тенденции искусства, искавшего новые средства выражения сложной душевной жизни современного человека (П. Пикассо, А. Матисс и др.).

портрет краска живопись композиция

Эпоха романтизма заставила художников (О. А. Кипренского (прил. А, рис. А.3), В. А. Тропинина, К. П. Брюллова) по-новому взглянуть на портретируемых, ощутить неповторимую индивидуальность каждого, изменчивость, динамику внутренней жизни человека, «души прекрасные порывы». Во второй пол. 19 в. в творчестве передвижников (В. Г. Перов, И. Н. Крамской (прил. А, рис. А.5), И. Е. Репин (прил. А, рис. А.6) развивается и достигает вершин психологический портрет, линия которого была блестяще продолжена в творчестве В. А. Серова (прил. А, рис. А.4)

Фоном для головы и фигуры может быть гладкая драпировка спокойного серого или серо-коричневого цвета.

Когда положение модели определено, нужно подумать о композиционном размещении рисунка головы на холсте. Композиция портрета начинается с определения точки зрения художника на модель — места, с которого художник будет писать свою модель, с выбора размера и формата холста.

Художественные открытия в искусстве основываются на поиске нового в действительности и в средствах ее выражения. В портретной работе новизна как всеобщий закон искусства в первую очередь связана с неповторимостью внешнего облика и внутреннего содержания каждого человека, а также с особенностями восприятия портретиста. Художник должен увидеть в модели индивидуальность, привлекающую его, ощутить личную заинтересованность как толчок к глубинному постижению именно этой модели.

Новизна имеет отношение и к композиционным решениям и к выбору технических средств изображения. В композиционном построении портрета сталкиваются с ситуацией незначительной предметной наполненности постановки, предполагающей композиционное решение за счет использования скупых, лаконичных, но строго выверенных средств.

Для того чтобы стать настоящим живописцем, необходимо не только в совершенстве владеть рисунком, композицией, перспективой, тонко чувствовать цвет, но и отлично знать материалы живописи, их положительные и отрицательные свойства и уметь разумно пользоваться ими. Искусство свободно владеть материалами живописи, при помощи которых художник создает портрет, приходит не сразу. Оно рождается в результате упорного, каждодневного труда, изучения их свойств и особенностей, систематического накопления знаний и опыта. Не обладая всем этим, невозможно создать произведение, увлекающее зрителя красотой живописи, живой передачей в ней цветовых и световых особенностей натуры, звучностью красок.

Масляная живопись в большей степени, чем какая-либо другая техника живописи, позволяет достичь на плоскости зрительной иллюзии объёма и пространства, богатых цветовых эффектов и глубины тона, выразительности и динамики письма. Технические приёмы масляной живописи разнообразны. Мазки могут быть кроющими (непрозрачными) и лессировочными (прозрачными), корпусными (плотными) и фактурными (рельефными), тонкими и гладкими.

1 Основа под живопись

Правильно выбранная художником основа под картину во многом влияет на качество живописи, свободу и легкость проведения живописного процесса, сказывается на сохранности колорита и всего произведения в целом.

Основа ее, материал, фактура, грунт должны в полной мере соответствовать технике художника и особенностям его метода ведения живописного процесса.

Довольно распространенной основой для этюдов маслом является грунтованный холст, наклеенный на картон. Его может изготовить сам художник. Для этого берется лист плотного картона толщиной от 1 до 4 мм и разрезается на части соответствующего размера (если нет картона требуемой толщины, можно склеить тонкий картон столярным клеем и выдержать под прессом 6-10 дней). Затем берут холст с любой фактурой и плотностью ткани и раскраивают на куски определенной величины, припуская с каждой стороны по 0,5 см на кромки, которые потом загибают по краям картона и приклеивают к его оборотной стороне.

2 Масляные художественные краски и кисти

Стертые с маслом красящие вещества образуют пастообразную масляную краску. Благодаря связующему веществу краски, высыхая, образуют прочные, твердые и стойкие к внешним воздействиям красочные пленки.

От качества связующего вещества, а также в известной степени от вводимых в красочную пасту в небольших количествах воска, а в отдельных случаях и смол во многом зависят блеск, прозрачность, светоустойчивость и неизменяемость красочных слоев живописи.

Кисти для этого вида искусства они не менее важны, чем краски. В основном я пользовался следующими кистями:

Щетинные кисти с грубыми, нелакированными черенками с бесшовными обжимными кольцами.

Большой набор: 3 кисти каждого номера плоской, прямой формы.

Маленький набор: по 1 кисти № 2 — 12 круглой, остроконечной формы.

Кисти из коровьего волоса, мягкие, для проработки деталей и лессировок, такой же формы, как щетинные кисти.

Большой набор плоской прямой формы.

Флейцевая кисть: Щетинные кисти — для грубой, крупноплоскостной работы, на джуте и другом грубом холсте. Для живописи «алла прима», для структурной. Волосяные кисти — для тонких лессировок.

Кисть в форме кошачьего языка аналогична флейцевым кистям. На грубых холстах пользуются после работы флейцем кистью прямой формы. Кистями в форме кошачьего языка предусмотрено закругление углов.

Круглая остроконечная кисть: Щетинные кисти служат для размашистых грубых набросков, например для изображения фигур в полный рост, для растирания (размывания) красок на контурах. Круглые волосяные кисти служат для филигранной проработки рисунка.

Кисти для грунтовки: широкие мазковые кисти, мягкие волосяные кисти, плоские, угловой формы, применяются только для грунтовки!

3 Палитра красящих веществ

Эта уверенность может быть достигнута только в том случае, когда художник хорошо знает свойства и особенности поведения отдельных красок как в чистом виде, так и в смесях и учитывает склонность некоторых из них изменять свой первоначальный цветовой тон в ту или иную сторону.

Поэтому отбор красящих веществ для палитры имеет первостепенное значение для художника-пейзажиста и во многом определяет его творческую настроенность и успех в работе как над этюдом, так и над картиной.

Ограничивая свою палитру немногими, действительно необходимыми красками, некоторые мастера — Крымов, Мешков, Грабарь, Бакшеев — следовали в этом отношении лучшим традициям выдающихся мастеров живописи прошлых столетий. Характерным в применяемой палитре красок является то, что за немногим исключением (индийская желтая, кармин) все употребляемые ими краски относятся к наиболее стойким, светоустойчивым. Их свойства как в чистом виде, так и в смесях друг с другом не только хорошо известны, но и проверены многолетней практикой применения в живописи.

Цветовое многообразие различных оттенков красок всегда можно получить, составляя из названных красок различные смеси в разных соотношениях.

Три основных цвета — красный, желтый и синий — получить смешением нельзя. Но добиваясь получения нужного тона, надо помнить, что краски, смешиваемые друг с другом, часто теряют свою яркость. Поэтому надо иметь на палитре яркие оранжевые, зеленые, синие, фиолетовые и черные краски.

Известный художник педагог П.П. Чистяков неоднократно говорил своим ученикам: «Следует долго искать краски, из которых состоит предмет, и, нашедши их, писать, не мазать, а рисовать, лепить». «Каждая вещь имеет присущий ей основной цвет, его нужно брать, а когда начнешь писать, вмешивай какие нужно цвета, иначе, если рисунок и цвет соединить в одно, будет полумера, ни то, ни се, грязь выйдет».

4 Смешивание красок

Смешивая на палитре краски, необходимо внимательно следить, чтобы не было смесей заведомо неустойчивых друг к другу красок, и, главное, ограничивать количество красок, вводимых в смеси.

В. Н. Бакшеев, заботившийся о сохранности колорита своих произведений, о силе и звучности тонов красок, всегда ограничивал себя смешением двух и очень редко трех красок, причем выбирал обязательно, близкие друг к другу по своей природе. Он избегал смешения чужеродных по своей химической природе красок, особенно остерегался смешивать четыре-пять и более красок, так как подобные смеси ничего, кроме вреда, не дают.

Связывающие средства соединяют пигменты в долго сохраняющиеся, жесткие и эластичные красочные слои и склеивают связанные слои пигментов с грунтом картины.

Была выбрана тема — лирический образ девушки-хиппи с гитарой. Перед тем, как начать основную работу, с натуры был выполнен ряд композиционных поисков маркером и черной гелиевой ручкой на маленьких форматах (10 на 15 см.) с разных точек зрения. Среди них был выбран наиболее удачный, и далее уже разрабатывалось цветовое решение будущего дипломного проекта. Из этюдов таких же форматов, что и поиски, были выбраны наилучшие. Далее для лучшего понимания тональных отношений мною был выполнен картон на основе натурных зарисовок, он отражал выбор точки зрения, формата и композиционное решение. Картон выполнялся соусом и углём. Также был выполнен тональный разбор картона под живопись для лучшего понимания светотеневой моделировки формы и пространства. После этого я выполняла эскиз к работе форматом 40 на 50 см. В эскизе попыталась передать цветовые и тональные отношения и дать представление о том, как будет выглядеть дипломная работа.

За основу был взят холст форматом 60 на 80 см., натянутый на подрамник собственного изготовления с помощью самодельных скоб и молотка. Грунт состоит из клеевого слоя и последующих эмульсионных белых. На холст была нанесена имприматура (умбра жженая и белила) среднего тона (прил. Б, рис. Б.1).

Рисунок на холст был переведен следующим образом: вначале рисунок был сделан на листе ватмана такого же формата, что и будущая работа. С помощью окна на его обратной стороне делался рисунок умброй жженой, разведенной до состояния жидкой сметаны. После того, как рисунок высох, он был переведен с листа ватмана с помощью карандаша на холст.

Работа велась масляными красками «Ладога» и итальянскими красками «Мастер класс» плотной пропиской по первоначальному жидкому подмалевку в несколько слоев. В качестве разбавителя использовался тройник.

Портрет выполнялся масляными красками в технике старых мастеров — классической трехслойной живописи. 1-й слой — пропись велась умброй жженой (прил. Б, рис. Б.2). На данном этапе важен не рисунок, а основные тональные отношения: определение большого света и большой тени, а также разбор света и тени от самого светлого до самого темного и сравнение по тону самого темного света и самой светлой тени и наоборот. Полутона на данном этапе не существуют, лишь мягкие переходы в растирку от тени. В моей дипломной работе модель сидит против окна, то есть самый яркий свет расположен за ней, а она находится в тени. 2-й слой — подмалевок (прил. Б, рис. Б.3). На этом этапе прописываются только света, тени же должны работать единым силуэтом, не беря на себя основное внимание. В данной работе источником освещения является окно, следовательно свет будет дневной холодный, а тени теплые. Свет вокруг модели прописывается марсом черным с белилами, силуэт остается большим единым пятном (прил. Б, рис. Б.4). В портрете прописываются освещенные части лица, рук, одежды. В контражуре самый яркий свет находится на краях фигуры. Там он практически сливается с большим светом окна. Необходимо следить, чтобы свет внутри фигуры не был светлее, чем за окном. 3-й слой — лессировки (прил. Б, рис. Б.5). В этом этапе важно передать локальный и обусловленный цвет постановки, добиться материальности формы, ее моделировки. На этом этапе я прописывала саму фигуру модели, лицо, руки и гриф гитары. После прописки лессировала марсом коричневым светлым, что обобщало не только саму фигуру, но и работу в целом. Затем снова прописывала портрет и его окружение. Мною было сделано около 7 лессировок. При этом светлые места были написаны пастой, фактурными, пастозными мазками, а тени лессировались прозрачно, жидко разведенной краской. Сохранялись холодные полутона. Для написания лица мною использовались следующие краски: кадмий красный, охра светлая, английская красная, умбра жженая, белила. Для написания рук еще использовался кадмий желтый и сиена. Я старалась обогатить работу новыми слоями и сохранить сделанное на предыдущих этапах. Далее мною прописывались детали: локоны волос, блики в глазах и на губах, складки одежды, изгиб деталей и блики грифа гитары. На последней стадии я приводила работу к цельности и общности (прил. Б, рис. Б.6). На протяжении всей работы следила за тем, чтобы второстепенные детали не выбивались вперед, а главное оставалось главным.

На примере данной дипломной работы я постаралась показать важность цветового решения в практической работе. Именно портрет, на мой взгляд, способен эмоционально воздействовать на зрителей локальными цветовыми пятнами и уточнением и конкретизацией деталей, передавать настроение, эмоции, внутреннюю и внешнюю красоту выбранной модели.

Художник, изображая человека, не только стремится точно воспроизвести выбранный образ, но и выражает свое отношение к данному облику, одухотворяет его, создает художественный образ, обладающий эмоциональной выразительностью и идейной содержательностью.

Изучение модели и рост профессионального живописного мастерства являются глубоко взаимосвязанными процессами в формировании художника-портретиста. Творческий подход к изображению портрета основывается на тех зрительных образах и впечатлениях от модели, которые живописец получает при работе с натуры. Только в результате общения с натурой может появиться вдохновение, созреть замысел портретной композиции. Портрет по своей природе — искусство, в котором наиболее непосредственно выражаются эмоции. В этом смысле портрет можно было бы сравнить с музыкой. Цветовые оттенки красочной палитры передают в картине гамму чувств, даже без ясно обозначенного литературного сюжета. Поэтому в портрете особенно важна поэтичность восприятия и трактовке природы. Портрет несет в себе чувственное выражение мысли — в этом его сила и действенность.

Дипломная работа дала возможность изучить богатство живописных техник и приемов работ маслом. Помимо этого, эксперименты в работе дали возможность выявить особенности качества краски, кистей, холста и особенности использования приемов работы с этими материалами.

Работа над дипломом расширила мой кругозор, заставила внимательнее изучить историю искусства, основы теории и методики изобразительного искусства, получить знания, необходимые мне для дальнейшей педагогической и творческой работы.

Без сомнения, мне не удалось освоить все достоинства масляной живописи — как выразительного живописного материала, но моя работа с дипломным руководителем дала возможность освоить и почувствовать всю красоту и особую живописность этого материала.

В связи с этим, хотелось бы высказать слова благодарности факультету и особенно кафедре живописи, за знания, полученные в университете. Неоценимую помощь в работе над дипломом оказали заведующий кафедрой и дипломный руководитель.

1 Алпатов М. В. Очерки по истории портрета — М.-Л., 1937.

2 Андроникова М. И. Об искусстве портрета — М., 1975.

3 А. Бенуа. История русской живописи в 19в. СПб,1902.

4 Беда Г.В. Живопись: Учебник для студентов педагогических институтов — М., 1986.

5 Визер В. В. Живописная грамота. Основы портрета — М., 1981.

6 Виппер Б.Р. Введение в историческое изучение искусства. М., Изобразительное искусство, 1985.

7 Искусство портрета. Сб. ст., М., 1928.

8 История зарубежного искусства. М., Изобразительное

9 История мирового искусства. БММ АО, М., 1998.

10 Косминская В.Б., Халезова Н.Б. Основы изобразительного искусства и методика руководства изобразительной деятельностью. Учебное пособие для студентов пединститутов — М., 1987.

11 Лазарев В. Н. Портрет в европейском искусстве XVII в. — М.-Л., 1937.

12 Машковцев Н. Г. Очерки по истории русского портрета второй половины XIX в. — М., 1963.

13 Машковцев Н. Г. и Соколова Н. И. Очерки по истории русского портрета конца XIX — начала XX в. — М., 1964.

14 Статья М. Эпштейна — журнал «Юный художник» № 2, 1997.

15 Суздалев П. О жанрах живописи — журнал «Творчество», 1964, № 2, 3

16 http://iskusstvom.ru/108.php Портрет

17 http://www.portrets.ru/3.html Бесплатные уроки живописи и уроки рисования по Ж. Виберу

18 http://diplom-dissertacia.ru/art/bases.htm Профессиональные основы масляной живописи

Рисунок А.1 — «Портрет пожилого мужчины». Энкаустика.

Рисунок А.2 — Д. Веласкес. «Портрет Папы Иннокентия X»

Рисунок А.3 — О. А. Кипренский. «Портрет Е. С. Авдулиной»

Рисунок А.4 — В. А. Серов. «Мика Морозов»

Рисунок А.5 — А. Крамской «Неизвестная»

Рисунок А.6 — И. Е. Репин «Осенний букет»

Рисунок Б.1 — имприматура

Рисунок Б.2 — пропись

Рисунок Б.3 — подмалевок

Рисунок Б.4 — живописный слой

Рисунок Б.5 — лессировки

Рисунок Б.6 — завершение работы

Размещено на Allbest.ru

Основные принципы развития портретного жанра. Исследовано, что после серии работ в стиле экспрессионизма, достижения в области фотографии, кино и видео, превратили портрет в бесполезный анахронизм. Поиски новых реалистических средств в портрете.

на тему «Портрет в изобразительном искусстве ХХ века»

Выполнила ученица 5 класса

Древнейшая известная попытка изобразить человеческое лицо насчитывает 27 тысяч лет. Оно обнаружено во Франции в пещере Вильонер близ города Ангулем (департамент Шаранта).

«Портрет» сделан мелом на естественных выпуклостях стены, напоминающих по форме лицо. Прочерчены горизонтальные линии глаз и рта и вертикальная полоса, обозначающая нос.

Первые образцы портрета являются скульптурными и относятся к Древнему Египту. За этим следовал расцвет портрета в период античности, упадок жанра в Средневековье, новые открытия, взлет и переход к технике станковой живописи в эпоху Возрождения, а затем дальнейшее развитие в последующие века.

Основные принципы развития портретного жанра

Портрет (от франц. — изображать) — образ, изображение какого-либо человека или группы людей, существующих или существовавших в действительности.

На развитие портретного жанра влияют две тенденции: прогресс технических изобразительных навыков и, что более важно, развитие представлений о значимости человеческой личности.

Наибольших вершин портрет достигает в период веры в возможности человека, его разума, его действенной и преобразующей силы.

«Портрет в своей современной функции — порождение европейской культуры нового времени с ее представлением о ценности индивидуального в человеке, о том, что идеальное не противостоит индивидуальному, а реализуется через него и в нем».

Портрет в изобразительном искусстве 20 века

20 век стал временем крушения классической иерархии жанров, поскольку появились новые способы отображения реальности, новые темы и проблематика. После серии работ в стиле экспрессионизма, достижения в области фотографии, кино и видео, превратили портрет в бесполезный анахронизм.

Исключение составляют известные работы Пикассо, например, женский портрет Гертруды Стайн. Послевоенные события, влияние компьютерной техники, средств массовой информации, научного прогресса, появляются новые материалы для работы живописцев — изобразительное искусство акрилом, шелкография, творчество алюминиевой краской, коллаж, смешанные виды живописи. Тенденция к восстановлению женского и мужского портрета на должном месте в иерархии жанров иллюстрируется в поп-арт картинах Энди Уорхола, чьи печатные изображения Элвиса Пресли, Мэрилин Монро, Жаклин Кеннеди, Элизабет Тейлор и Мао Цзэ-дуна стали образцом развития жанра второй половины 20 века.

В 20 веке портрет, как и все фигуративное искусство, переживает упадок. В жанре проявляются сложные тенденции развития искусства, а также общий кризис понимания человеческой личности. На почве модернизма возникают произведения, номинально считающиеся портретом, но лишенные его специфики. Они подчеркнуто уходят от реального облика модели, сводят её изображение к условной, отвлечённой схеме. Фотография взяла на себя функцию документации, сохранения, получения изображения для тех или иных надобностей, художественный портрет сделался предметом решения чисто художественной задачи. В эпоху Модильяни и Пикассо очень важен был взгляд художника на персонаж, неповторимость и уникальность этого взгляда, тогда как фотография допускала тиражное изображение, а также соблюдала документальность и подлинность.

Одновременно продолжаются поиски новых реалистических средств в портрете. Реалистические традиции продолжают в графике Кете Кольвиц (Германия), в живописи Уильям Орпен (Ирландия), О.Джон, в скульптуре Бурдель, Аристид Майоль, Шарль Деспио.

В портретном творчестве крупнейших западноевропейских мастеров XX века (Пикассо, Матисс, Андрэ Дерен, Жорж Руо, Модильяни во Франции, Жорж Грос, Отто Дикс, Эрнст Барлах в Германии, Оскар Кокошка в Австрии) сосуществуют, порой сталкиваясь, противоречивые идейно-художественные тенденции. Хорошими примерами эстетики ардеко являются работы Тамары Лемпицка. Представителями американской реалистической школы 1920-1930-хх гг. были Роберт Генри и Джордж Беллоуз. Примером группового портрета этого времени является картина Макса Эрнста «Все друзья вместе».

К середине XX века развитие портрета становится сложным, характеризуясь еще более кризисными чертами. Все очевиднее становится нарочитая деформация, искажение человека.

Некоторые мастера пытаются удерживать планку реалистического портрета: Ренато Гуттузо (Италия), Ганс Эрни (Швейцария), Диего Ривера и Сикейрос (Мексика), Эндрю Уайет (США), Сэйсон Маэда (Япония), скульпторы Ксаверий Дуниковский (Польша), Вяйнё Аалтонен (Финляндия), Джакомо Манцу (Италия), Джо Дэвидсон и Джейкоб Эпстайн в США. Тем не менее, интерес к портрету в 1940-19550-х г.г. в целом падает, как результат повышения интереса к абстрактному и нефигуративному искусству.

В 1960-70-х гг. наблюдалось некоторое оживление портрета. Такие английские мастера, как Люсьен Фрейд и Френсис Бэкон создавали мощные произведения. Далее, многие современные художники, такие как Энди Уорхол, Алекс Катц и Чак Клоуз делали человеческое лицо главным фокусом своих произведений. «Мерлин Монро» Уорхола стала иконой. Таким образом, поп-арт является одним из немногих направлений искусства XX века, использующим человеческое лицо без относительных искажений. Клоуз специализируется на гипер-реалистичных портретах-головах на всю стенах, основанных на фотографиях. Джейми Уайет продолжает работать в реалистических традициях своего отца Эндрю, создавая знаменитые портреты всех подряд, от президентов до свиней.

Одновременно жанр фотопортрета достигает вершин и привлекает огромное количество мастеров жанра. В частности, нишу реалистичного портрета занимают теперь обложки журналов вроде Тайм, украшенные изображениями знаменитых современников.

Марат Гельман пишет: в контексте позднего постмодернизма отношение зрителя к портрету, изображению сильно поменялось по сравнению с классической эпохой. Все изображения сегодня условно можно разделить на несколько категорий: это информационные (политико-социальный контекст), рекламные, культовые (субкультурные), художественные и частные, зритель, реципиент сейчас воспринимает любое изображение как симулякр, знак товара, власти, политики, моды, поп-культуры и так далее. Поэтому зрительское восприятие сейчас обусловлено, контекстуально и мифогенно, портрет как жанровая категория скорее мертв, чем жив. Но, если рассматривать все актуальные практики сегодня, и если есть некие живые проявления портретного жанра, то это скорее жизнь после смерти.

портрет изобразительное искусство экспрессионизм

«Искусство не является придатком к канонам красоты, оно скорее результат того, что инстинкт и мозг могут зародить нечто вопреки всем канонам».

Пришел ХХ век, с его войнами и революциями, надеждами и разочарованиями, бурными страстями и экзальтацией. На смену «созерцательному» умиротворенному импрессионизму и «сущностному» неспокойному постимпрессионизму, внесшим новое понимание в восприятие натуры, большой вклад в создание новых техник письма, в новое отношение к передаче цвета и света, пришло еще более яркое, но, на мой взгляд, более грубое и «необузданное» художественное направление — экспрессионизм (от лат. Экспрессио — «выражение»).

Предвестниками, предтечами этого направления называют Ван Гога и Мунка, которого уже часто напрямую причисляют к представителям этого стиля. Но в полной мере экспрессионизм был порождением «сумрачного германского гения», расцветшего вдруг яркими красками, ломаными линиями, странными композициями, заглянувшего в душу зрителя, ужаснувшегося ее темным глубинам и вывернувшего их наизнанку.

Фотография в ту пору уже исполняла функции документации и сохранения точного отображения персонажа, поэтому художественный портрет становится средством решения чисто художественных задач, отражает личный пристрастный взгляд художника на изображаемого человека, стремится эмоционально передать его внутренний мир, часто даже пренебрегая внешним сходством.

Наступает эпоха таких художников, как Амедео Модильяни (1884-1920), итальянский художник и скульптор еврейского происхождения, страстно желавший признания, не получивший его при жизни, но ставший одним из самых дорогих художников в наше время.

Испанский и французский художник, скульптор, график, дизайнер, основоположник кубизма Пабло Пикассо (1881-1973, имя которого состоит из 15 имен (Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис), интересен в основном «голубым» и «розовым» периодами творчества, в которых еще сильно сказывается влияние импрессионизма и постимпрессионизма. В «голубом» и «розовом» периодах люди, изображаемые на его портретах часто были грустными, а любимыми героями его картин были арлекины, тореадоры, музыканты.

Эрнст Людвиг Кирхнер (1880-1938), художник, график, скульптор, идеолог и автор программы группы, в которой отрицался реализм, импрессионизм и даже модерн.

Эмиль Нольде (Ханс Эмиль Хансен, 1867-1956), взявший себе в качестве псевдонима название деревни, где он родился. Он почти не писал портретов, так как избегал конкретики, главными его интересами была природа и библейские сюжеты, «изображения человека у него символичны, они находятся, как говорил художник, «по ту сторону понимания и знания» и «вне времен».

Ведущим организатором и теоретиком объединения, считавшим, что художник имеет право на субъективное восприятие реальности, даже полный отказ от фигуративности и переход к абстракции, был Василий Кандинский (1866-1944), представитель экспрессионизма, ставший впоследствии одним из основоположников абстракционизма.

Другом Кандинского и соучредителем объединения «Синий всадник» был немецкий художник Франц (Мориц Вильгельм) Марк (1880-1916).

Еще один участник объединения «Синий всадник» немецкий художник Август Роберт Людвиг Маке (1887-1914) был еще теоретиком и пропагандистом экспрессионизма. «Он использовал в своих композициях принципы построения, позаимствованные у кубистов и художников «Всадника», но всегда оставался самостоятельным мастером.» (Ришар Л. Энциклопедия экспрессионизма.)Еще один участник объединения «Синий всадник» немецко-швейцарский художник Пауль Клее (1879-1940).

Австрийский художник, великолепный мастер портретов, особенно автопортретов, Эгон Шиле (1890-1918).

Одним из ярких представителей французском экспрессионизме был Жорж Руо (1871-1958). Руо был одним из основателей Осеннего Салона в 1903 году, ему было близко творчество Ван Гога и Матисса, картины в начале творческого пути были часто на религиозные темы, но его интересовала жизнь людей, он ее изображает иногда в карикатурном виде, пишет портреты клоунов, простых людей.

Последним из экспрессионистов, которого мы тут упомянем, был австрийский художник чешского происхождения, родом из известной семьи ювелиров, один из учеников Густава Климта Оскар Кокошка (1886-1980).

«Воображение — это то, что имеет

склонность становиться реальностью».

Это высказывание французского поэта-сюрреалиста, как нельзя лучше подходит к нашей теме, потому что «в сюрреализме провозглашается эстетический релятивизм: человек и мир, пространство и время относительны; всё течёт, всё искажается, смещается, расплывается; нет ничего определённого и постоянного.

Сюрреализм (буквально «сверх-реализм», «над-реализм») — направление в литературе и искусстве двадцатого века, сложившееся в 20-х годах, охватившее всю Европу и получившее отклик в Америке, отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм. Чтобы достичь глубин своего подсознания, «духовного возвышения и отделения духа от материального мира», художники-сюрреалисты часто творили в состоянии гипноза, алкогольного или наркотического опьянения, это было широко распространено тогда в их среде.

В портретном жанре художники — сюрреалисты не стремились к точному изображению человека, к сходству, для них важно было отразить его внутренний мир так, как они его себе представляли в своем богатом воображении, обнажить скрытые в человеке комплексы, и раскрыть «истинное», по их мнению, содержание его характера, глубинные мотивы поступков.

Конечно же, в нашем сознании при упоминании понятия «сюрреализм» в первую очередь возникает имя художника, провозгласившего свое кредо «Сюрреализм — это я!» и создавшего немало портретов (что было как раз не так характерно для художников-сюрреалистов). Испанский живописец, график, скульптор, режиссёр, писатель Сальвадор Дали (Сальвадор Доменек Фелип Жасинт Дали и Доменек, маркиз де Дали де Пуболь) (1904-1989).

Биография Сальвадора Дали хорошо известна — о нем написано много научных работ и книг, в том числе и им самим, (например, «Тайная жизнь Сальвадора Дали, рассказанная им самим»), снято документальных и художественных фильмов (например, «Отголоски прошлого»).

Да, конечно, Дали был одним из «столпов» сюрреализма, но предтечей этого стиля в живописи, художником, который оказал на будущих сюрреалистов влияние своим творчеством, был известный итальянский художник Джорджо де Кирико (1888-1978).

В начале ХХ века в Италии зародился новый стиль, очень близкий к сюрреализму, придуманный и разработанный этим художником и названный им «метафизическая живопись». В его основе «контраст между реализмом и мечтой, фантазией, символизмом, сюрреалистическими вещами. Реалистичные изображения, которые являются главным объектом исследования художника, помещаются в некую ирреальную атмосферу, которая намекает на иное пространство, иное измерение.»

Бельгийский художник-сюрреалист Магритт Рене (1898-1967), родился в семье морского офицера, впечатления детства, связанные с морем, отразились в творчестве художника, никогда не обучавшегося живописи: он использовал в своих работах формы всяких морских обитателей, гадов и водорослей, уподобляя им человеческие фигуры в причудливых галлюцинациях.

Испанский (каталонский) живописец, любивший море, южный колорит и пейзажи родной земли, но подписывавший свои работы по-французски, Жоан (Хуан) Миро (1893-1983).

Его называют основоположником поэтического сюрреализма, создателем художественного языка, наполненного экспрессией, необычными символами и образами, артистизмом и свободой.

Ярким представителем сюрреализма, одним из его основателей был немецкий (и французский) художник, график, мастер коллажа и скульптор Макс Эрнст (1891-1976).

Еще один интересный и бывший малоизвестным художник, начинавший с подражания Сезанну, прошедший через увлечение дадаизмом, испытавший на себе влияние творчества и теоретических работ Джорджо де Кирико, друживший и Ивом Танги и пришедший к сюрреализму — Виктор Браунер (1903-1966).

Очень интересны творчество и судьба мексиканской художницы, получившей сначала признание во Франции, и только незадолго до смерти у себя на родине, в Мексике — Фриды Кало (1907-1954). Можно назвать ее работы сюрреалистическим примитивизмом, это в основном автопортреты или портреты близких людей, наполненные изображениями растений и животных, символами болезней и несчастий.

Еще хочется сказать о нескольких художниках-сюрреалистах, которые играли важную роль в становлении и развитии стиля, но почти не писали портретов, я их просто перечислю и покажу несколько работ. Это швейцарский скорее скульптор, чем художник — Альберто Джакометти (1901-1966).

Это французский и американский художник и теоретик искусства, один из «столпов» сюрреализма и самых влиятельных представителей современного искусства в ХХ веке — Марсель Дюшан (1887-1968), утверждавший, что «Главным врагом искусства является хороший вкус».

Нидерландский художник-график Мауриц Корнелис Эшер (1898-1972), сознательно выбравший свой путь в искусстве — не художника маслом, а гравера, так как его интересовала возможность повторения образов и эксперименты с зеркалами и сферами.

И, наконец, французский художник польского происхождения — Бальтюс (Бальтазар Клоссовски де Рола) (1908-2001), попробовавший себя на протяжении своей долгой творческой жизни почти во всех жанрах, в том числе и в портрете.

Заканчивая обзор портретной живописи сюрреализма, хочу сказать, что тут упомянуты, конечно, далеко не все художники этого направления, в котором портретное сходство с оригиналом было вообще не главным.

Определение того, что является главным в сюрреализме, дал его теоретик, неоднократно уже упоминавшийся тут — Андре Бретон: «Чистый психический автоматизм, имеющий целью выразить, или устно, или письменно, или другим способом, реальное функционирование мысли. Диктовка мысли вне всякого контроля со стороны разума, вне каких бы то ни было эстетических или нравственных соображений».